Best WordPress Hosting
 

Művészeti instruktor képzést indít a Budapesti Metropolitan Egyetem  

A szak vezetőjét, Dr. K. Horváth Zsoltot kérdeztük arról, hogy kiknek javasolja a művészeti instruktor szakra való jelentkezést?

Azoknak, akik erős művészeti elköteleződésük mellett fontosnak tartják, hogy a művészet élvezete ne pusztán egyéni, de közösségi élménnyé is váljon. A művészeti instruktorok a szak elvégzése után majd azért dolgoznak különböző művészeti területeken, hogy a művészet befogadása, élvezete ne csak kevesek kiváltsága legyen. A képzés célja az is, hogy a hallgatók megtanuljanak kapcsolatot teremteni a művészek, az intézmények és nézők között. A művészeti instruktor legfontosabb feladata tehát a kreatív, kifejező alkotómunka összekapcsolása egy-egy közösség létrehozásával és megerősítésével.

Milyen adottságokkal kell rendelkeznie egy hallgatónak, aki eredményesen végzi majd el ezt a képzést?

Ők az AICA-díj idei nyertesei

A díj újraindításával az AICA Magyar Tagozatának az volt az elsődleges célja, hogy a szakmai szempontokat gyakran mellőző döntések mentén formálódó művészeti intézményrendszerbe visszahozzon egy kifejezetten szakmai grémium által, demokratikus alapon kiadott elismerést. A díjat a szervezet tagjaiból véletlenszerűen választott zsűri a „Legjobb kritika”, a „Legjobb egyéni kiállítás” és  a„Legjobb kurátori projekt” kategóriákban a tagok jelöléseiből válogatva ítélte oda. A zsűrinek ebben az évben Hegyi Dóra, Magyar Fanni, Tatai Erzsébet, Tímár Katalin és Zemlényi-Kovács Barnabás voltak a tagjai. A korábbi gyakorlatot követve az AICA elnöksége ezúttal is egy kortárs művészt kért fel a díj elkészítésére, amelynek költségeit a tagdíjakból rendelkezésre álló büdzséből fedezte. 2024-ben a díjat Süveges Rita készítette.

A zsűri a három kategóriában az alábbi jelöltek közül választotta ki a győzteseket:

Legjobb kritika:

A lángok közé menekülő – Závorszky-Simon Márton kiállításáról

Závorszky-Simon Márton: The trees will burn blackened hands, Vízivárosi Galéria, január 26-ig

„A föld a napnak szolgája csupán, / A nap az isten, s tűz az őserő!”[1] A tűz elem az anyagi létezés utolsó állomását képviseli. Azt a beavatási fázist, amikor a lélek megszabadul a tisztátalan, négy elemre épülő anyagiságtól. A tűzzel való egyesülés kilépést is jelent a fizikalitás univerzumából a lelkek univerzumába, ezért számos halotti kultuszban is kiemelt szerepet játszik.

A tűz elem kozmológiai szerepe alapvető, szerepel Arisztotelész-Empedoklész „föld, víz, levegő és tűz” minőségekre épülő négy elem-tanában, majd a középkori kozmológia és az alkímiai hagyomány egyik alapmintázataként. Másrészt a tűz az isteni természetű bolygók és a nap szubsztanciáját is képviseli.

Ezek voltak a hazai művészeti aukciók csúcsárai 2023-ban. II. rész – élő művészek

Az élő művészek TOP 10-es listáját a korábbi évekkel összehasonlítva – a 2022-es listát lásd itt, a 2021. évit pedig itt – hasonló megállapításokra juthatunk, mint a néhány napja közölt abszolút toplista (lásd itt) esetében. Azaz a tavalyi év legjobb árai a kortárs piacon is lényegesen alacsonyabbak voltak, mint a megelőző két esztendőben, ráadásul megállt a kortárs művészek árainak az utóbbi időben tapasztalt közeledése a XX. századi festészet nagyjai által tartott abszolút rekordokhoz. Míg 2022-ben Keserü Ilona csúcsárat elért munkája az abszolút TOP 10-be is bekerült, idén még a TOP 30-ban sem találjuk élő művész alkotását. Míg 2021-ben a TOP lista tételei 28,9 milliós átlagár mellett 16-55 millió forint, 2022-ben 45,2 milliós átlagár mellett 20-110 millió forint között mozogtak, addig tavaly már 11 millió forinttal fel lehetett kerülni a listára, az átlagár 17,5 millió volt és a legmagasabb leütési ár sem haladta meg a 38 millió forintot. A fenti árak és az a tény, hogy a tavalyi TOP 10-ben mindössze egy életmű-rekord született, inkább a csúcskínálat szűkülését mutatják; a kereslet továbbra is élénk voltát jelzi ugyanakkor, hogy jó néhány tétel a becsértéke feletti áron talált gazdára.

Míg az abszolút toplistákon szereplő 10 mű rendszerint 8-9 művész műhelyéből kerül ki, az élő művészeknél a kiemelkedő árakat elérők köre szűkebb, többnyire négyen-hatan szerepelnek a listán. Idén öten, ami átlagosnak mondható, az viszont még sosem fordult elő, hogy a művek nagyobbik fele egyetlen művész alkotása. Idén Keserü Ilonának hat munkája is bekerült a legdrágábbak közé, a dobogón pedig kizárólag az ő festményei szerepelnek.

A hazai árveréseken egyelőre csak néhány, az idős nemzedékhez tartozó alkotó ér el toplistás árakat; az idei rangsorban szereplők átlagéletkora 82 év. Ugyan számos, náluk jóval fiatalabb művész árai mutatnak ígéretes fejlődést, de egyelőre – legalábbis aukciókon – még nem kerülnek a vezető idős mesterek árainak közelébe.

Ezek voltak a hazai aukciós csúcsárak 2023-ben – I. rész

A bevezetőben képzőművészeti alkotásokat említettünk, valójában azonban a TOP 10-ben a korábbi évekhez hasonlóan kizárólag festmények vannak. Más műfajokban – szobor, grafika, stb. – idehaza nagyságrendekkel alacsonyabb árak születnek. (Persze a globális piacon is a festmények dominálnak, de azért ott előfordulhatott például az, hogy – igaz, csak rövid időre, 2015-ben – egy Giacometti-szobor számított a világ legdrágább műalkotásának.)  Nincs változás abban sem, hogy – szerencsére – magas azon – zömmel XX. századi – művészek száma, akiknek művei versenyben lehetnek a TOP 10-es helyekért. Erre a listára idén nyolcan kerültek fel, azaz mindössze két művésznek, Rippl-Rónai Józsefnek és Gulácsy Lajosnak sikerült dupláznia. (Rippl-Rónai esetében ez gyakran előfordul, Gulácsynál azonban az életmű lényegesen kisebb mérete miatt szinte sosem.) Nincs változás abban sem, hogy a legmagasabb ársávban lényegében csak a két vezető művészeti aukciósház, a Virág Judit és a Kieselbach Galéria rúghat labdába és ez még a kortárs kategóriában is így van. Korábban időnként más házaknak is sikerült egy-egy tétel erejéig felkerülniük a TOP 10-es listákra, tavaly erre nem akadt példa.

Az a hazai piacon szinte forradalminak mondható 2022-es fejlemény, hogy egy élő művész alkotása is szerepelt az összesített toplistán, tavaly nem ismétlődött meg; sorozatunk második részéből látható lesz majd, hogy erre ezúttal esély sem volt; egyelőre nem folytatódott a kortárs csúcsárak közeledése az abszolút rekordokhoz. 

A nemzetközi piac egyik érdekes tavalyi fejleménye volt, hogy miközben az alacsonyabb árkategóriákban a tételszám és a forgalom is bővült, a csúcskategóriában kevesebb tétel került kalapács alá és azok alacsonyabb áron is keltek el. Ugyanez a jelenség idehaza is megfigyelhető volt; míg 2021-ben 460 millió forint volt a legmagasabb leütési ár (ez máig abszolút rekordnak számít, lásd itt) és 206 millió a TOP 10-es művek átlagára, addig ez a két szám 2022-ben már 300, illetve 163,5 millióra (lásd itt), tavaly pedig 220, illetve 143 millióra csökkent. És bár, ahogy az előzetesen kommunikált becsértékekkel való egybevetés mutatja, néhány vezető tétel leütési ára elmaradt a várakozástól, ebből és a fenti számokból nem törvényszerűen adódik – igaz, nem is zárható ki – az a következtetés, hogy a gyűjtők óvatosabbá váltak és kevésbé mélyen hajlandóak csak a zsebükbe nyúlni. Már csak azért sem, mert a TOP 10-es listán szereplő művek nagyobbik feléért, egészen pontosan hatért, az érintett művészek korábbi csúcsárait meghaladó szintig tartott a licitcsata. E tekintetben külön érdekesség, hogy Gulácsy Lajos mindkét, a listán szereplő alkotásával új életműrekordot állított fel; közülük az első mindössze egy napig élt.

Hallgatom a fojtott hangokat az esőben – Hajdú Levente és Nagy Ákos filmjéről jutott eszembe

A színes film, annak is minél valósághűbb törekvései újabb távolodást jelenthetnek a progresszív, artisztikus kifejezéstől. A mozgókép leginkább üzlet, ezért a művészeti nyelvezetével is nagyon óvatosan bánnak a „komolyan”, illetve a „húsba vágó módon” érdekeltek a profitorientált világban. Ennek ellenére, és nem feltétlenül csak ellenében,

létezik a másik film, az experimentális mozgókép, mely talán az egyetlen esély az audiovizuális médium folyamatos, szükséges vérátömlesztésére, megújulására.

Ahogyan a világ változik, a kreatív iparnak is szinkronban kell együtt mozognia vele. A kísérleti filmnek tehát más feladatai vannak a kezdetektől fogva, mint a fősodorba tartozó mozgóképes alkotásoknak.

Tiltakozik az MTA a művészettörténet középiskolai kivezetése ellen

A 2020-as új Nemzeti Alaptantervvel (NAT) összhangban az állami fenntartású középiskolákban 2024-től választható tárgyként sem lesz elérhető a művészettörténet mint önálló tárgy, és megszűnik az abból való érettségi lehetősége is.

Az alábbiakban teljes terjedelmében közöljük a nyilatkozat szövegét:

„A 2020-as új Nemzeti Alaptantervnek (NAT) megfelelően az állami fenntartású középiskolákban 2024-től már választható tárgyként sem lesz elérhető a művészettörténet mint önálló tárgy, az abból való érettségi lehetősége pedig teljességgel (gimnáziumokban és szakgimnáziumokban egyaránt) megszűnik Magyarországon. A művészettörténeti ismeretek minimálisra redukált anyagát az új NAT a vizuális kultúra 9–10. évfolyamon oktatott tárgyába olvasztja be (heti 1×45 percben), ami lehetetlenné teszi a tudományág átfogó ismereteinek átadását. A megszüntetett művészettörténet érettségi vizsga mellett a vizuális kultúra középszintű érettségi vizsgájából is kimaradt a művészettörténeti és műelemző ismeretek mérésének lehetősége.

„Az egész múzeumi élményt immerzívnek képzeljük el” – beszélgetés a budapesti Light Art Museumról

Az új intézmény – a Light Art Museum (LAM) – gyorsan közkedveltté vált a budapestiek, és az idelátogató bel- és külföldi turisták körében: már első kiállításuk is több, mint 200 ezer látogatót vonzott, a jelenleg zajló második tárlatra pedig időarányosan eddig még többen voltak kíváncsiak – ilyen számokkal csak a nagy fővárosi múzeumok blockbuster tárlatai büszkélkedhetnek. Vida Szabolccsal, a múzeum művészeti vezetőjével és Bencsik Barnabással, a mostani kiállítás egyik kurátorával a LAM létrejöttének hátteréről, az intézmény különleges profiljához kapcsolódó kihívásokról és a jövőbeli tervekről is beszélgettünk.

–  Artportal (AP): Talán sokaknak tudunk még újat mondani, ha felelevenítjük a Light Art Museum létrejöttének történetét. Hogyan, mikor alakult ki az elképzelés, hogy érdemes lenne a hazai múzeumi palettát egy ilyen különleges intézménnyel gyarapítani?

– Vida Szabolcs (V.Sz.): Néhány éve, 2020 körül merült fel tulajdonosainkban a gondolat, hogy létre kéne hozni egy alapvetően immerzív térként funkcionáló, fényfestéseknek helyet adó teret és innen indulva jutottunk el végül a fényművészeti múzeumig, ami már ennek az izgalmas műfajnak nemcsak a kreatívipari megjelenéseivel, hanem a kortárs képzőművészeti aspektusaival is foglalkozik, azok befogadó tereként funkcionál. Az ötlet persze nem a semmiből született; az egyik ötletgazda, L. Laki László cégének fő profilja már a 90-es években a partiszervezés volt, aminek természetesen fontos eleme volt a partik látványvilágának megteremtése, azaz harminc éves kötődése van ehhez a világhoz. László tagja volt annak a kisebb közösségnek, amelyik szinte folyamatosan VJ-zett. Nagyon szívébe zárta ezt a világot és rengeteg energiát fektetett bele. De hasonló mondható el egy másik társtulajdonos alapítóról, Klinkó Györgyről is. Ő is részt vett a VJ kultúra terjesztésében, Lászlóval közösen szervezte a különböző támogató, tudásmegosztó eseményeket, VJ tornákat. Közös bennük egyébként az is, hogy mindketten műgyűjtők.

Megvannak az Esterházy Art Award idei díjazottjai

Az Esterházy Magánalapítvány 2009-ben hozta létre díját, az Esterházy Art Award-ot, melynek kétévenkénti odaítélésével folytatja az Esterházy hercegi család négy évszázadon keresztül gyakorolt, nagy hagyományokkal rendelkező mecénási tevékenységét. Az Esterházy Art Award az alapítása óta eltelt közel másfél évtizedben – méretének, központi szerepének és a jelölt művészek gondos kiválogatásának köszönhetően – a fiatal magyar művészvilág mértékadó áttekintésévé vált. A díj célja a tehetségek nemzetközi megjelenésének előmozdítása és a nemzetközi párbeszéd támogatása. A díj egyik fontos sajátossága, hogy az alapítvány a díjazottak munkásságát a későbbiekben is figyelemmel kíséri, műveiket nemzetközi kiállításokon is bemutatja.

Egy díj fontossága számos módon mérhető, így többek között a pályázók számával, a díjat odaítélő zsűri összetételével, a díj nagyságával és – az idő előrehaladtával mindinkább – a díjban részesültek névsorával. Az Esterházy Art Award megkülönböztetett státusza e kritériumok bármelyikével alátámasztható. Míg 2009-ben a pályázók száma még alig haladta meg a 100-at; idén már – az elmúlt évek folyamatos növekedése után – 262, 45 év alatti művész portfóliója került az ítészek asztalára. A zsűri minden alkalommal nemzetközi összetételű, tagjai ismert művészettörténészek, múzeumi vezetők és a díjat kiíró alapítvány képviselői – idén Fabényi Julia, a Ludwig Múzeum – Kortárs Művészeti Múzeum igazgatója, Ulrike Groos,  a Kunstmuseum Stuttgart igazgatója, Barbara Horvath művészettörténész, a KUNST HAUS WIEN kurátora, Rieder Gábor művészettörténész, kurátor, szerkesztő, dr. Ottrubay István, a díj alapítója, az Esterházy Magánalapítvány elnöke, Szegedy-Maszák Zsuzsanna művészettörténész, kurátor, a Magyar Nemzeti Múzeum Történeti Fényképtár főmuzeológusa és Vitus Weh kurátor, az Esterházy Magánalapítvány művészeti tanácsadója.

Trapp Dominika, Kortmann-Járay Katalin, Mendreczky Karina és Horváth Gideon, az Esterházy Art Award 2023. évi kitüntetettjei, fotó: Végel Dániel, © Ludwig Múzeum – Kortárs Művészeti Múzeum

Blurring Realities — about the First Virtual AI Art Fair

At the brink of virtual realities in the eighties of the last century, the possibility of an artist existing in a virtual space was raised alongside virtual art. What belonged to the realm of science fiction and cyberpunk, has now become a reality, as evidenced by the existence of many AI artists at deeep (as seen by the booth of Dead End Gallery for example). The reason deeep is so exciting is because the virtuality of the fair dissolves the classic oppositions between the living and the inanimate, the real and the fictional, and the all too rigid juxtaposition of the tangible and the visible. The first fully virtual art fair, initiated by deeep.art and created by Walter’s Cube, is profoundly thought-provoking, revealing the hybrid, partly organic, partly cybernetic nature of the contemporary art world and of contemporary artistic and creative images. In this sense, hybrid beings and synthetic realities appear in several booths, partly created by real intellects and partly by pre-programmed entities, but always built up from elements of different realities, based on the expectations of the potential recipient. This is why Vadim Fishkin’s work ‘Miss Christmas’, where the shadow of a ‘real’ palm tree emerges from a paint can, is a great emblem for the fair, symbolizing the classic toolkit of illusion. Fishkin’s illusion also makes clear how the reality of artworks is relative, since the image is always created in our minds, or rather in the billions of neurons that run through it.

The virtual tent of the deeep – First Virtual AI Art Fair, 2023

The hybridisation of the organic and the synthetic, the real and the artificial, takes place in multiple ways and on multiple scales at the Deeep AI Art Fair, whose very name invites us on a parallel journey into the depths of human intelligence and the digital image. The exhibitors include both traditionally „living” artists and artificial intelligences „who” create works of art by simulating fictional artistic characters. But there are also artists who consider themselves digital, who use not only digital technology but also artificial intelligence to create images – in effect, hybrid beings. From here, it is easy to move to another related but even more complex virtual-real scale, that of artworks.

A Nemzeti Filharmonikusok művészei Budapesten írnak zenetörténelmet

A Nemzeti Filharmonikusok Opera bérlete számos lehetőséget kínál a komolyzenei kultúrát kedvelő közönség számára. Együtt lép fel ilyenkor a Nemzeti Énekkar és a Nemzeti Filharmonikus Zenekar, nagyszerű vokális szólisták érkeznek a világ minden tájáról, míg a zenés színpadi művek a közönségnek műfaji felfrissülést nyújtanak.

És persze a kórus és a zenekar tagjai is új zenei szituációkban tehetik próbára tehetségüket.

Vashegyi György főzeneigazgató kiemelt célkitűzései közé tartozik még, hogy a Nemzeti Filharmonikusok élén Magyarországon eddig kevéssé ismert alkotásokat is megismertessen a hazai közönséggel. Az Opera bérlet így a már említetteken kívül is páratlan alkalmat ad ismeretlen zeneművészeti kincsek felfedezésére. Ilyen megismerésre méltó francia romantikus ritkaság Édouard Lalo halhatatlan remeke, az Ys királya is, amit még sohasem adtak elő Magyarországon.

Szokatlan módszerrel vált napok alatt ismertté egy német festőnő

Egy kiállítás bontásakor rendszerint ellenőrzik, megvan-e valamennyi bemutatott műtárgy, s minden múzeumi dolgozó rémálma, ha kiderül, hogy valami hiányzik – azaz minden bizonnyal lába kelt egy óvatlan pillanatban. A valós helyzet ebben a történetben sem egyezett a leltári dokumentumokban foglaltakkal, ám itt nem hiányra, hanem ellenkezőleg, többletre derült fény. A történet helyszíne Németország egyik vezető kiállítási csarnoka, a bonni Bundeskunsthalle. Ennek építését még a 70-es években, azaz Németország megosztottságának idején határozták el, a 80-as években el is kezdték, de mire 1992-ben elkészült, már lezajlott az újraegyesítés, Bonn elvesztette főváros-státuszát és az új intézménynek a vártnál sokkal nehezebb körülmények között kellett kivívnia helyét a nap alatt. Ez végül jól sikerült, számos elemet meg tudtak tartani az eredeti koncepcióból, így azt is, hogy a kiállítások jelentős része a művészetet a társadalmi és gazdasági élet folyamataival való kontextusában kezeli. Ilyen volt a május és október között nyitva tartott Wer wir sind (Kik vagyunk) című kiállítás is, melynek tematikájából sokat elárult az alcím: Fragen an ein Einwanderungsland. Pontatlan lenne ezt Kérdések a bevándorlók országához-ként fordítani, hiszen az „ein” a német címben azt jelzi, hogy Németország nem az egyetlen ebbéli minőségében, másfelől az Einwanderungsland alatt a német szóhasználat szerint olyan ország értendő, ahol a lakosság létszámának növekedésében meghatározó szerepet játszik a bevándorlás. Ez azonban most inkább csak rövid háttér a történethez, annyiban azonban mégis érdekes, hogy főhősünk, a 26 éves kölni Danai Emmanouilidis is bevándorló szülők gyermekeként jött a világra. Most pályakezdő művész, aki legmerészebb álmaiban sem gondolhatott volna arra, hogy egyik munkája idén már az ország egyik vezető műcsarnokának falán fog függeni. Pedig ez történt, igaz, nem a kiállítás teljes időtartama alatt, hanem csak annak utolsó négy hetében és nem is a kurátorok akaratából. Emmanouilidis ugyanis maga vette kézbe a dolgokat és egy szép napon pulóvere alatt becsempészte egy néhány éve született, kis méretű festményét a múzeumba, s annak egy félreeső kiállítótermében egy mindkét oldalán öntapadó ragasztószalaggal villámgyorsan rögzítette a falon.

Danai Emmanouilidis festményével a kölni Van Ham aukciósházban, a Van Ham, Köln jóvoltából

Ezt nemcsak akkor nem vette észre senki, hanem később sem, így a Georgia című női portré egészen a tárlat bezárásáig zavartalanul ott lógott a falon. A „többlet” csak a bontást megelőző leltározás során derült ki. Mivel a szerző a művén kívül semmilyen más információt nem hagyott hátra, a Bundeskunsthalle kénytelen volt a közösségi média segítéségét igénybe venni megtalálásához. Felhívásának néhány napon belül meg is lett az eredménye: Emmanouilidis megjelent az igazgatóságon és közölte, hogy ő a kérdéses mű szerzője. Elmondta, hogy az akcióra a kiállítás tematikája bátorította; azt akarta, hogy a tárlaton markánsabban jelenjen meg azok nézőpontja, akik valamilyen értelemben, például etnikai gyökereiket vagy szexuális orientációjukat tekintve mások. Ebbe a körbe tartozik ő maga is, de nem a szülőföldjén él portréjának modellje, az ausztrál Georgia Polks sem. Emmanouilidis hozzátette azt is, hogy a közvetlen inspirációt Marina Abramović egykori alkotó- és élettársa, a három éve elhunyt Ulay 1976-os, a maga idejében nagy port felvert akciójából merítette. Ulay akkor elemelt egy Spitzweg-festményt a berlini Nemzeti Galériából, autóba ült vele és elment az akkor még kettéosztott német nagyváros rengeteg bevándorlónak otthont adó Kreuzberg kerületébe, és ott felakasztotta a művet egy török család lakásának nappalijában.

Meghalt Vera Molnar

A budapesti Képzőművészeti Főiskolán művészettörténetet és esztétikát tanult Vera Molnar 1947-ben ösztöndíjjal Rómába ment, majd csakhamar Franciaországban telepedett le. 1959-től kezdett kombinatorikus képeket készíteni, és az általa „machine imaginaire”-nak nevezett módszerrel matematikai törvényszerűségeket modellezni, majd igen korán, már 1968-ban lehetőséget kapott arra, hogy az elképzelt gépet „machine réelle”-re cserélje, vagyis valódi számítógéppel dolgozzon. Műveiben kulcsszerep jutott a számítógép algoritmikus véletlenjének, művészetének fontos fogalmai a rend és a rendetlenség, a struktúra és a szabadság.

Életének és pályájának erről a meghatározó időszakáról így ír munkásságának egyik legjobb hazai ismerője, Szöllősi-Nagy András: „Amiben Vera Molnar eltért a kor konkrét művészei által követett fő csapásirányától, az abból is kitűnik, hogy gondolkodása alapvetően algoritmikus, továbbá, hogy a matematika, a játékosság és a véletlen fontos szerephez jutott műveiben. Férjével, François Molnarral sok közös munkájuk során jutottak olyan következtetésekre a modern tudomány és művészet szoros kapcsolatáról, amelyek sok tekintetben mintegy előrejelezték a következő időszak fejleményeit. Feri már a hatvanas évek legelején vázolt egy nagyívű programot, ami meglepően pontosan jelezte előre a következő évtized várató eredményeit: a „…topológia, a játékelmélet és a kombinatorika a formák sokkal tágabb körének megalkotását teszik lehetővé, mint az intuíció. Ezeknek a tudományoknak az eredményeit akarjuk használni. (…) Ha az információelmélet a rend és káosz fogalmával dolgozik, akkor ez pont jó nekünk, mert a műalkotás is pont e két szélsőség között születik meg. Hogy pontosan hol, azt egy új esztétika, a művészet tudománya mondja majd meg.”

Vera Molnar: A dieu, Knifer No 23. 2005, akril, vászon, 100×100 cm

Nyitott szellemi műhely, befogadó közösséggel

Mit tanulhatnak a fotográfia szakra jelentkező hallgatók?

Megismerhetik a fotográfia vizuális formanyelvét, annak analóg- és digitális technikai eszköztárát, valamint azt, hogy ezekkel az eszközökkel hogyan tudják a véleményüket, gondolataikat képpé formálni. Szakjainkon a hallgatókat olyan technikai tudással és kritikus szemlélettel ruházzuk fel, ami lehetővé teszi, hogy bekapcsolódjanak akár a hazai, akár a nemzetközi művészeti életbe. A BA szakon főként a kreatívipari feladatok megoldása kerül a fókuszba. Ezt támogatja a divat, a riport és az alkotói fotográfiai specializáció. Az MA szakon a képzés fókuszában már az önálló művészeti projektek állnak. Komplex, autonóm, művészeti gondolkodás kialakításában támogatjuk a hallgatókat. 

Milyen szakmai kritériumok alapján alakították ki a tanterveket?

Mona Lisák és „magyar Mona Lisák”

A „nagy” Mona Lisát bizonyára senkinek sem kell bemutatni. A festőgéniusz Leonardo da Vincinek a XVI. század elején készült remekműve a képzőművészet egyetemes történetének egyik legnagyszerűbb alkotása, amit évente sok millió ember keres fel a párizsi Louvre-ban. Pénzbeli értékét nehéz meghatározni, de amikor Leonardo egy korábban született festménye, a Salvator Mundi a korábbi árrekord két és félszeresét jelentő 450 millió dollárért cserélt gazdát egy 2017 novemberi árverésen, egy művészeti folyóiratnak arra a neves gyűjtőkhöz intézett körkérdésére, miszerint van-e olyan festmény, amiért gondolkodás nélkül adnának egymilliárd dollárt, ha piacra kerülne, többen is a Mona Lisát jelölték meg. Az összeg amúgy nem légből kapott; a festmény mai áron számolva már 1962-ben ilyen becsértéket kapott, amikor biztosítást kötöttek rá.

Leonardo da Vinci: Mona Lisa, 1503-1517 (vagy 1519), olaj, nyárfa tábla, 77 x 53 cm, Louvre, Párizs, forrás: Wikipedia

Mint később látni fogjuk, a „magyar Mona Lisa” címkét több festményre is ráaggatták már, de számos művészettörténész úgy látja, hogy Leonardo sem csak egyszer festette meg a rejtelmes mosolyú hölgyet, aki minden bizonnyal nem más volt, mint Lisa del Giocondo, egy, a maga korában ismert selyemkereskedő, Francesco del Giocondo felesége. A mű ezért ismert La Gioconda címen is, amit épp úgy nem maga Leonardo adott a festménynek, mint a Mona Lisát; az utóbbi cím a híres festőtárstól, egyben sok itáliai mester életrajzírójától, Giorgio Vasaritól származik és néhány évtizeddel fiatalabb, mint maga a mű.  

Engedve az újrafölhasználásicsábításnak (sic!)

Sodrásban vagyunk, hiszen a történelem számára az egyént kiszolgáltatott, behatással nem bíró tényezőként gondoljuk el. A történelem sodra metafora, a szó mögött implicite elgondolt időfaktort is jelöli, ugyanakkor még inkább a vele együtt járó nagy mennyiségű, felfoghatatlan mértékű eseménysorra utalhat, mely lavinaként gördül végig a hétköznapi életeken, beolvasztva azokat, pusztán statisztává redukálva az egyént. A humaniórák és legfőképp a művészetek feladata, avagy kihívása éppen ebben rejlik, amikor a statisztákból megpróbálnak főszereplőket csinálni. Ezt igyekszik kiemelni a kiállítást megnyitó kurátori szöveg is, amikor az abszolút és a relatív egymásmellettiségére, illetve ezek összefonódási lehetőségére hívják fel a figyelmet. A történelem és egyén kiazmikus, mi több, egymást kisajátító viszonya jelenik meg az Esterházy család történetén keresztül. „Nincsen egy tiszta Magyarország, amelyre támaszkodni és emlékezni lehetne, csak mi vagyunk itt.” (Élet és Irodalom, 1991.)

A saját, anekdotikus történeteinkben természetesen mindig mi vagyunk a főszereplők. Az anekdota, miképp a Kis Magyar Pornográfia soraiból is kiderül: „görög szó, azt jelenti: »kiadatlanok«. A kiadatlanság nem azt jelenti, hogy e történeteket soha nem adták ki vagy adják ki, hanem csupán azt, hogy »kihagyták őket«, feledés szitált reájuk, mert nem eléggé hivatalosak, nem ütik meg valamely szakállas komolyság mértékét.” (40.) Ezt követi a megállapítás, miszerint az anekdota egy „történelmi tréfa”. Ez a fajta „konstruktív irónia” talán az említett regény megjelenése óta is hiánycikk Magyarországon. A közelmúltra való emlékezés terhét, a méltósággal való visszatekintés, „…a legmagasabb rendű pátosz csak akkor sikerülhet nekem, ha játék.” (I.m. 39.)

Esterházy Marcell munkáiban az emlékezés aktusa nem egy melankolikus gesztus.

Tihanyi Lajos és Rippl-Rónai József csúcsművei a hazai decemberi árveréseken

A hazai aukciós piacon – a nemzetközitől eltérően – hagyományosan december a legerősebb hónap. A piaci hangulat ugyan itthon is meglehetősen visszafogott, de úgy tűnik, a két legnagyobb aukciósháznak ilyen körülmények között is sikerült olyan tételeket piacra csalogatnia, amelyek – határainkon túl is – nagyon komoly érdeklődést kelthetnek és nagy licitcsatákat ígérnek.

Előbb, december 16-án, a Virág Judit Galéria lép ki a porondra és első előzetes híradásában egy olyan Tihanyi Lajos remekműre hívja fel a figyelmet, mely több mint egy évszázados lappangás után bukkant fel ismét. A Tájkép Margit-híddal című festmény több mint száz évig egy magyar család tulajdonában volt és a monográfiákban is csak utalásszerűen szerepelt. A kép Budapest történetének egyik legdrágább magánpalotáját, Wagner János építész egykori, Gül Baba türbéjét körbeölelő villáját örökíti meg, miközben a Duna és a Margit-híd is tökéletesen látszik a távolban. A Wagner villát 1969-ben bontották le, de Tihanyi a kép festésekor – az első világháború kitörése előtt – még teljes pompájában vetette vásznára a látványt. Mint Kelen Anna hangsúlyozta, a kép értékét növeli, hogy a Tihanyi életműben és általában a magyar klasszikus festészet legmagasabb szintjén is rendkívül ritka a budapesti tematika. Ez a kép Tihanyi tízes évekbeli festészetének szintézise. A művész ekkorra fejlesztette tökélyre a rálátásos perspektívát; a szóban forgó festmény igazi konstruktív expresszionista remekmű. 

A most kalapács alá kerülő festménynek létezik egy párdarabja is, mely lappang és csak a festő hagyatékából előkerült fekete-fehér fotóról ismert. Vélhetően a lappangó alkotás lehetett a vázlat, míg a most előkerült festmény a főmű. A kép 80 millió forintos induló árral kerül kalapács alá, ám a licit aligha áll meg itt; Tihanyi életműrekordja, amit a párizsi Point Saint Michelről festett – egyébként ugyancsak két változatban létező –  festménye ért el 2017-ben, 220 millió forint, azaz a mostani kezdőár közel háromszorosa.

„Lehetett volna sokkal rosszabb is” – mérlegen a novemberi New York-i árverések

A nagy nemzetközi árverőházak hagyományos novemberi impresszionista, modern, második világháború utáni és kortárs árverései az év legfontosabb és legnagyobb forgalmú aukciói közé tartoznak; a „célegyenest” jelentik, esélyt kínálva egy addig gyengébb év optimistább hangulatú befejezéséhez – vagy fordítva, sokat ronthatnak az addig kedvezőnek tűnő összképen. Az eddigi idei számoknak nagyon jót tett volna egy erős november és a nagy házak a maguk részéről komoly erőfeszítéseket tettek annak érdekében, hogy az év bizakodóbb hangulatban záruljon. Pedig a sokat emlegetett külső körülmények nem alakultak kedvezően; az idei évet eddig is jellemző, a gazdasági körülményekre és a (befektetői) hangulatra is kiható gondok jórészt megmaradtak és újabbak is társultak hozzájuk – elég csak a közel-keleti konfliktus rendkívül súlyos kiéleződésére gondolnunk. A Christie’s, a Sotheby’s és a Phillips javarészt megtették azt, amit adott körülmények között tehettek, és egy eladásra nem feltétlenül ösztönző légkörben is sikerült viszonylag jó kínálatot, s abban néhány egészen kiemelkedő tételt biztosítaniuk. Ennek persze ára volt; a beadóknak a megszokottnál jóval nagyobb arányban – néhány árverés esetében minden egyes tételre – garanciát kellett adniuk, ami még akkor is komoly anyagi kockázatot jelentett számukra, ha a garanciák többsége külső, harmadik féltől származott. A katalógusokat átlapozva feltűnt az is, hogy a becsértékek számos esetben alacsonyabbak voltak a vártnál – erről nyilván nem volt egyszerű megegyezni a beadókkal. A becsértékek viszonylag alacsony voltát azért is hangsúlyoznunk kell, mert  egy árverés sikerét rendszerint többek között azzal mérik, hogy a leütési árak milyen arányban érték el, vagy haladták meg a becsértéket. Ha a becsértéket alacsonyan állapítják meg, akkor ez a mutató jobb képet mutat, anélkül, hogy valóban jobb teljesítmény állna mögötte.

Aki csak az árverőházak közleményeit olvassa a november 8-15. közötti „nagyhét” aukcióiról, komoly sikerként értékelheti azokat, hiszen a házak jelentései rendszerint csak az érem egyik oldalát mutatják meg. S ha olvashatunk is ezekben a jelentésekben forgalmi számokat, azokat a legritkább esetben hasonlítják össze a korábbi év(ek) hasonló adataival. Megtudhatjuk, kik értek el életműrekordokat, de nem derül ki, milyen, szép reményekkel indított tételekre nem volt licit; az többnyire kiderül, hány tétel kelt el a becsértékének sávja feletti áron, de nem esik szó azokról a művekről, amik e sáv alsó határa alatt találtak vevőre. Ugyancsak ritkán derül ki a közleményekből, hány tételt vontak vissza az árverés előtt. A visszavonásnak persze számos oka lehet, de az egyik leggyakoribb, főként az utolsó pillanatban bejelentett visszavonások esetében a házaknak az a benyomása, hogy az érintett tételeknek kevés esélyük van a jó szereplésre. De azért ezeket az információkat sem feltétlenül kell az olvasónak magának „kibányásznia” a leütési árakból kiindulva, többnyire össze lehet szedni őket a nemzetközi hírlevelekben megjelent elemzésekből is. És bizony ezek az elemzések azt mutatják, hogy

az idei novemberi teljesítmények jelentősen elmaradnak az utóbbi két évtől, immár bizonyossá téve, hogy az idei év összforgalma is lényegesen alacsonyabb lesz.

Eldőlt, ki lett a Konok-Hetey Művészeti Díj első nyertese

Az alapítvány – létrehozói, Konok Tamás festőművész és Hetey Katalin szobrászművész életművének gondozása mellett – fontos missziójának tekinti a XX. századi és a kortárs művészet progresszív eredményeinek, kiemelkedő jelentőségű hazai és külföldi alkotóinak megismertetését, a kortárs művészet befogadását és megértését. E törekvés jegyében hozták létre a Konok-Hetey Művészeti Díjat is, melyet ezentúl évente ítélnek oda a bevezetőben említett irányzatok mellett elkötelezett alkotóknak, felváltva egy-egy festő-, illetve szobrászművésznek. A Díj meghirdetéséről júliusban az Artportal is beszámolt; akkori írásunkban ismertettük a pályázatokat elbíráló, Szipőcs Krisztina, a Ludwig Múzeum szakmai igazgatóhelyettese vezette zsűri összetételét is.

Wolsky András, fotó: Nők Lapja Enteriőr Magazin, Kovács Szilvia

A több, mint harminc pályázó közül a zsűri első körben a shortlist-re került öt művész – Nagy Barbara, Pál Katja, Matzon Ákos, Wolsky András és Sági Gyula – nevét hozta nyilvánosságra, majd közülük választotta ki a díjazottat. Döntésüket ma este a Ludwig Múzeumban jelentették be és itt került sor a díj átadására is. A rendezvényen a művész özvegye, Konok Marianne jelenlétében Juhász Annának, az alapítvány kuratóriumi tagjának köszöntője után Fabényi Julia, a Ludwig Múzeum igazgatója méltatta Konok Tamás életművét, majd Molnár Ani galerista, az alapítvány kuratóriumi elnöke szólt az alapítvány feladatairól és a most zárult pályázatról. Ezt követően Szipőcs Krisztina, a zsűri elnöke beszélt Konok Tamás és a Ludwig Múzeum kapcsolatáról, majd ismertette a pályázat eredményét. Eszerint a Konok-Hetey Művészeti Díj első nyertese Wolsky András festőművész, aki az oklevél és a 300 ezer forintos pénzdíj mellett Botos Péter üvegművész felajánlásából egy vándordíjat is kapott. A laudációt N. Mészáros Júlia művészettörténész, az alapítvány egyik alapító tagja, egyben a zsűri tagja tartotta, felelevenítve Wolsky András pályájának fontosabb állomásait a festő és intermédia szakokon szerzett két diploma óta eltelt negyedszázadban és kitérve az idők során konzekvensen kialakított munkamódszerére, melyet a tudatosan alkotott szabályok és a véletlen együttjátszása jellemez és amely dinamikus, belső mozgással, élettel teli műveket eredményez.  

Mi falja fel végül a múltunkat?

A budai Mészáros utca 38. alatt egy időkapu nyílt meg. Az emeletre felsétálva egy kibelezett polgári lakásban találjuk magunkat, ahol a falakat napszítta öreg tapéta borítja, lábunk alatt a parketta csendesen nyikorog, és az ezeket a régi lakásokat jellegzetesen átható illat árad mindenütt, ami a valaha itt élők intim életterének emlékét őrzi. Egy otthon valamikori melegségét.

Különös és mélyen nyugtalanító vállalkozás Brückner János új festészeti projektje, ami ebben az ismerősen idegen térben került kiállításra. A képek vizuális kiindulópontjai privát fotók, amelyeket a művész festményként alkot újra és sajátos technikával vizuálisan roncsolja, “olvasztja” meg és oldja fel alakjai körvonalait. Brückner a saját maga által kikísérletezett technikát “human printer”[1] metódusnak hívja, amely háromféle technika ötvözete. Használ egyrészt airbrush-t, elsősorban a horizontok atmoszférikus hatásának érzékeltetésére. Emellett a “festményszerűség” és a plaszticitás kidolgozásához használ ecsetet is. A harmadik pedig egy folyatásos technika, amely az “analóg glitch”-szerű hatás elérését célozza. Birkózás és együttműködés az anyaggal, amelyet sosem lehet teljesen uralni. Mindez egy digitális képekkel túltelített korban, amelynek vizualitása újfajta, innovatív képalkotási módszerek kifejlesztésére sarkallta. Saját bevallása szerint a digitális képek már régóta izgatták, tökéletességük és sajátos torzulásaik is. A hibák tehát jöhetnek az anyag, a festék mindig csak részleges kontrollálhatóságából, ugyanakkor a digitális kép roncsolódásaiból is, ám Brücknert az érdekli, hogy ezeknek a hibáknak az emberi minősége, azok felmutatása és hangsúlyozása kapjon esztétikai dimenziót. Tehát láthatjuk a fentiekből, hogy már mediális szempontból is többrétegű, három médiumra (festmény, fotó, digitális kép) visszautaló, azokból építkező projekttel van dolgunk.

Brückner János: My grandmother in the forest, 2018, akril, vászon, 50 x 40 cm. Fotó: Weber Áron, a művész és a Longtermhandstand jóvoltából